Jorge Luis Borges vuelve a la Biblioteca Nacional

La Biblioteca Nacional de Argentina honrará al genial escritor Jorge Luis Borges con una estatua de cuerpo entero, obra del escultor Antonio Oriana, coincidiendo con el 27 aniversario de su muerte el próximo 14 de junio.

El autor de "El Aleph", que dirigió la Biblioteca Nacional entre 1955 y 1973, recibirá a los visitantes sentado en un banco junto a sus libros y aferrado a su famoso bastón.

Oriana realizó la escultura, de 800 kilogramos y 1,6 metros, en molde de yeso relleno de cemento, arena y estructura de hierro.

El escultor, que confesó que empezó a trabajar en una estatua en los años 70 pero había abandonado el proyecto, es autor de las esculturas del pintor Benito Quinquela Martin, la médica y política Alicia Moreau de Justo y el bandoneonista Astor Piazzolla, entre otros

 

Estampas japonesas en el Museo del Prado

12 de junio - 6 de octubre 2013 
Edificio Villanueva. Sala 60 Madrid

Coincidiendo con el préstamo de dos biombos japoneses del Museo Seikado Bunko y el Museo Nacional de Tokio, el Museo del Prado exhibirá, por primera vez al público, una selección propia de estampas japonesas de los siglos XVII al XIX representativa de las distintas técnicas y tipologías. La mayor parte de ellas fueron adquiridas en 1936 por el Museo de Arte Moderno, integrándose posteriormente en las colecciones del Prado.

Utamaro, Kitagawa; Tôemon,Yamashiroya ."Dos jóvenes mujeres con abanico" 1790 - 1800. Entalladura [madera a la fibra].Papel 325 mm x 220 mm. Japón

 

Botero, dibujos en tela y en papel

1 de Mayo al 30 de Junio

Se trata de una exhibición de 50 dibujos de la colección personal de Fernando Botero (Medellín, 1932) realizados entre los años 1973 y 2011.

Museo Nacional de Bellas Artes

Pabellón de Exposiciones temporarias

Av. del Libertador 1473

Martes a viernes de 12.30 a 20.30, sábados y domingos de 9.30 a 20.30

Entrada libre y gratuita

Con la exposición Botero, dibujos en tela y en papel, la obra de Fernando Botero se presenta por tercera vez en el MNBA. En el año 1994 se exhibió Botero en Buenos Aires y en el 2006 El Dolor de Colombia en los ojos de Botero, imágenes inspiradas en el tema de la violencia en Colombia y que el artista donó al Museo Nacional de ese país.

Botero reflexiona con respecto a su propia obra diciendo “Mi color no se asemeja al violento y caótico de mi país. Me gusta la luz de París, mis colores son italianos, una de mis referencias constantes es Piero de la Francesca. Amo el siglo XV italiano”. Sin embargo no produce una ruptura con su Colombia natal ya que como él reconoce tiene con América Latina una profunda relación platónica.En relación con la temática de las obras, Teresa de Anchorena, curadora de la muestra comenta: “Recorrer la obra de Fernando Botero es irse de viaje en el tiempo y el espacio. Salir a pasear por las calles de ese pueblito que fue la ciudad de Medellín. A través suyo pasamos por el mercado, la iglesia, el burdel y las corridas de toros. Nos detenemos en las ventanas de esas casas de tejas coloradas para sorprender a sus habitantes en pleno quehacer cotidiano, para escuchar sus conversaciones e impregnarnos de esa atmósfera que huele a incienso y lavanda. Y tiene algo de fantástico.”En estas obras Botero utiliza acuarela, lápiz, pastel, tinta y carbonilla tanto sobre papel como sobre tela. Se destaca trabajando con sanguina sobre tela, técnica poco utilizada por los artistas y que requiere una destreza y maestría excepcionales. El profesor Ángel Navarro, refiriéndose la importancia de este soporte, señala que históricamente el papel ha sido el gran compañero de los artistas. Recurren a él para esbozar la primera idea de una obra, estudiarla en sus detalles específicos y determinar sus formas y aspectos especiales.

La exposición cuenta con el apoyo de la Asociación amigos del Museo Nacional de Bellas Artes.Junto con la muestra se presenta el catálogo Botero, dibujos en tela y en papel.

 

A Mao no le sienta bien el pop

China impide que se expongan los retratos del líder comunista que firmó Andy Warhol

Pocas figuras resultan tan controvertidas en China como la de Mao Zedong. El fundador de la Nueva China —léase, la República Popular— es reverenciado por haber luchado contra los japoneses y por haber sentado los cimientos del actual progreso que ha convertido al país en una superpotencia. Para confirmarlo, ahí están, en la plaza de Tiananmen, el mausoleo en el que se guardan sus restos embalsamados —contra su propia voluntad— y el gigantesco retrato que preside la entrada a la Ciudad Prohibida. Precisamente, fue esa imagen la que Andy Warhol utilizó como base para inmortalizar al Gran Timonel en una de sus series más celebradas. Unas composiciones que los chinos no verán en su territorio, porque el Gobierno las ha vetado.


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No en vano, para las Autoridades lo mejor es que no se hable de él. Hay que evitar, a toda costa, la posibilidad de un debate sobre su persona. Es un héroe, y punto. Así que los psicodélicos retratos que Warhol le dedicó al fundador de la patria china, realizados en el mismo formato que los de las grandes estrellas de cine que inmortalizó en colores chillones, no han viajado a Shanghái con el resto de las 300 obras —entre pinturas, fotografías y películas— que componen 15 minutes eternal, una de las mayores exposiciones sobre su obra que abre las puertas al público hoy.


Las obras fueron ideadas tras el viaje del presidente Richard Nixon a China —en 1972—, una década antes de que el mismo Andy Warhol visitase un país que le cautivó. Y, sin duda, esa mezcla de arte pop y estética de propaganda dio buenos frutos: en 2006, uno de los cuadros fue vendido en Hong Kong al multimillonario Richard Lau por la nada desdeñable cifra de 13,5 millones de euros. Pero no importa lo famosas que sean esas piezas. Un funcionario de Shanghái, donde el día 28 se estrenará la muestra que en Hong Kong sí se ha expuesto completa, aseguró al diario South China Morning Post que el veto llega directamente del Ministerio de Cultura “por lo políticamente delicado del asunto”.


Porque Mao también fue el hombre que llevó a China la mayor de sus miserias. De hecho, quienes superan los 50 años recuerdan con la mirada gacha las penurias que vivieron durante la ominosa década de la Revolución Cultural (1966-1976), en la que pudieron haber muerto hasta 30 millones de personas. El dirigente chino se había labrado una sólida reputación como general, pero fracasó rotundamente en su particular interpretación del comunismo. Y muchos no le perdonan el daño causado.


Pero no hay más que caminar por cualquier mercadillo chino para darse cuenta de que la figura de Mao tiene tirón. Su Libro rojo no puede faltar en la maleta de ningún turista que se precie, y a la venta está también todo tipo de mercadotecnia con su rostro. No es solo un tema comercial. Los artistas chinos también lo retratan. Y no se cortan nada al hacerlo. No hay más que ver creaciones como la que muestra su rostro con el logotipo de McDonald's de fondo. “Es decepcionante que hayan decidido prohibir esta serie porque su imagen es muy habitual en el arte contemporáneo chino”, se lamentó el director del Museo de Andy Warhol en Pittsburg, Eric Shiner.


Claro que una cosa es la representación que del Gran Timonel haga un compatriota, y otra muy diferente, la de un extranjero. Lo sabe bien Judas Arrieta, un artista gipuzcoano que se instaló en Pekín con el firme propósito de convertirse “en un artista chino”. Para conseguir el objetivo sentía que tenía que reinventar la figura de Mao, y no se le ocurrió otra cosa que ponerle las orejas del ratón más famoso para crear Mickey Mao. La obra fue retirada de una exposición y le prohibieron volver a representar al dirigente chino. Como ha sucedido con Warhol, le acusaron de faltarle al respeto al padre de China. Y con eso no se juega.


Zigor Aldama El País 29-4-2013

El trabajo de Van Goth en el Van Gogh Museum

 

Desde 1 de mayo de 2013 hasta el 12 de enero de 201

 Vincent van Gogh es un artista famoso por su peculiar estilo y uso del color. Todos tenemos de él la imagen de un genial autodidacta que pintaba de forma espontánea y con trazos frenéticos sobre el lienzo. Sin embargo, no hay nada más alejado de la verdad: Van Gogh era un artista que creía en el oficio, en el trabajo disciplinado, y que se esforzaba por aprender los rudimentos de su oficio de forma metódica.

En la exposición Van Gogh at work vemos cómo evolucionó hasta convertirse en un artista único con una obra imponente. Más de 200 pinturas, obras sobre papel, cuadernos de dibujos y cartas de Van Gogh y otros artistas – completados con los materiales del pintor y manuales artísticos del siglo XIX – permiten conocer mejor el método de trabajo de Van Gogh. Además de nuestra amplia colección propia, podrá contemplar obras maestras procedentes de colecciones de todo el mundo. En esta exposición reunimos obras que solo en contadas ocasiones se han podido ver conjuntamente, como dos versiones de Girasoles y El dormitorio.

Van Gogh at work es el resultado de la investigación realizada durante años del método de trabajo del artista. Un equipo multidisciplinar - Van Gogh Museum en estrecha colaboración con el Instituto holandés de Patrimonio Cultural y Shell Holanda – ha realizado desde 2005 una intensa investigación sobre la técnica y el uso de materiales de Vincent van Gogh. Los resultados obtenidos son de gran valor para nuestro conocimiento sobre el artista.

La exposición realiza un recorrido cronológico de la evolución como artista de Van Gogh. Además, en la exposición se destacan también varios temas para quienes deseen profundizar más en el uso de materiales y la técnica de Van Gogh. Aparte de lo mucho que hay que ver, también se pueden hacer muchas actividades. Podrá ver y tocar el material que Van Gogh utilizaba y cómo los colores se infl uyen entre sí. También podrá analizar muestras de pintura con un microscopio y radiografías.

 

 

Obituario

Clorindo Testa, Arquitecto y pintor, murió en Buenos Aires a los 89 años en Buenos Aires el 11 de abril. Nacido en Nápoles, emigro junto a sus padres a Agentina, cuando tenía 1 año de edad.
Discipulo de Le Corbusier, en su dilatada carrera como arquitecto realizó grandes proyectos entre los que figura la Biblioteca Nacional (en la foto), el Centro Culltural Recoleta y el edificio del Banco Hipotecario.
Se jactaba que su rutina diaria era dibujar por la mañana para construir y dibujar por las tardes para pintar. Realizó múltiples exposiciones en su larga vida.
Fue nombrado Doctor honoris causa de Universidad de Buenos Aires y la Universidad de Roma La Sapienza.
Descanse en paz.





Exposición en Madrid

Obras sobre papel: Paul Klee

22 de marzo 2013 – 30 de junio 2013

Paul KleeViento de la rosa, 1922 

 

La exposición, resultado de varios años de trabajo en colaboración con el Zentrum Paul Klee de Berna, se apoya en el que quizá sea uno de los proyectos de investigación sobre el artista más relevante de las últimas décadas: la reciente edición crítica del así llamado "legado pedagógico" de Klee.
 La muestra permite articular una selección de 137 obras entre pinturas, acuarelas y dibujos, realizados entre 1899 y 1940, con casi un centenar de manuscritos seleccionados entre las notas de las clases de Klee en la Bauhaus, que representan cada uno de los 24 capítulos que componen los textos de Klee.
Cuenta, además, con objetos y documentos que van desde fotografías de época hasta los herbarios del artista, pasando por sus lecturas, las fuentes documentales de sus reflexiones, sus escritos, sus cuadernos de dibujo y sus publicaciones, un variado material que contextualiza adecuadamente su vida y su trabajo en la Bauhaus de Weimar y Dessau y ayuda a poner de manifiesto las influencias mutuas entre su teoría y su práctica artística a lo largo de toda su vida.
Con el nombre de "legado pedagógico" de Klee se conoce hasta hoy un conjunto de textos tan heteróclito como fascinante: casi 4.000 páginas manuscritas de Klee en las que éste recogió sus reflexiones e investigaciones teórico-prácticas –plagadas de llamativos diagramas, esquemas, tablas, escalas de color, construcciones y dibujos¬– en torno a la forma pictórica, sus regularidades, sus normas y su génesis; a la geometría, el plano y el volumen; al movimiento, las estructuras de la naturaleza y las de los artificios, las configuraciones plásticas, el ritmo o el color. Se trata, en definitiva, de un conjunto de reflexiones sobre la vida de las formas sin el que no pueden entenderse de manera concluyente ni la teoría del arte ni el propio hacer artístico de Klee, dos ámbitos que –como es obvio en el caso del artista–, se hacen eco mutuamente.
Sin embargo, y pesar de la significación y de la importancia de esos escritos, hasta ahora apenas dos exposiciones se habían apoyado explícitamente en ellos para plantear un discurso visual que se ocupara de las relaciones entre la obra y la enseñanza de Klee; sin duda a causa, al menos en parte, de que todo ese riquísimo material, tan rico en sugerencias como difícil de interpretar, se encontraba en un estado poco practicable para la interpretación y el análisis.
La Fundación Juan March, que ya organizó en 1981 una de las primeras muestras sobre Paul Klee celebradas en España, ha concebido esta otra exposición en paralelo al estudio, la transcripción y la edición crítica de ese inmenso legado, una tarea llevada a cabo por Fabienne Eggelhöffer y Marianne Keller -comisarias invitadas de esta muestra-. El resultado de esa investigación es la monumental base de datos www.kleegestaltungslehre.zpk.org en la que desde el pasado mes de agosto de 2012 pueden consultarse libremente todos los manuscritos originales de Klee y sus transcripciones.

Paul KleeCon el arco iris , 1917

 

Para la organización de la exposición se ha contado con la colaboración del Zentrum Paul Klee, donde se presentó una primera versión reducida, compuesta por obras de su propia colección, bajo el título Meister Klee! Lehrer am Bauhaus, entre el 31 de julio de 2012 y el 6 de enero de 2013.
La muestra que se exhibe ahora en La Fundación Juan March reúne algunas de las obras expuestas en el Zentrum Paul Klee junto a muchas otras de diversa procedencia.
Las obras de Klee están organizadas en secciones según cinco temas –el color, el ritmo, la naturaleza, la construcción y el movimiento–centrales tanto en su creación artística como en su enseñanza, y que ordenan la mirada en el amplio universo plástico de un artista tan imaginativamente fértil como fue Klee: los fenómenos de la génesis y el crecimiento de la naturaleza le sirvieron de modelo para explicar la configuración y el diseño. Su tesis de que lo esencial no es tanto la forma definitiva de las cosas como más bien el proceso que conduce a ella, su idea de que una forma no "es", sino que deviene, impregna toda su enseñanza y explica su interés por el interior y la generación de las formas. Junto a los fenómenos naturales, Klee estudió también, en el arte y en la teoría, el ritmo, el color, las construcciones geométricas y el movimiento.
Los préstamos de la exposición proceden de la colección del Zentrum Paul Klee de Berna y de muchos otros museos y colecciones, públicas y privadas, de Suiza, Alemania, Francia, Estados Unidos y España. La exposición se acompaña de un catálogo, en edición española e inglesa (con las correspondientes versiones para e-book), con ensayos y textos de Fabienne Eggelhöfer, Marianne Keller y Wolfgang Thoner.